Estos són los centros de acopio de los catalogos de los 12 SALONES REGIONALES DE ARTISTAS , celebrados durante el 2007-2008. Todos los artistas que participaron estan invitados a recoger sus catalogos:

ARMENIA
Jackeline Valencia
Secretaría de Cultura
Calle 20 # 13 – 22 1er Piso, Plaza de Bolívar, Armenia

BARRANQUILLA
Maria Eugenia Castro
Museo de Arte Moderno de Barranquilla
Cra 56, N.74-22
095-3609952

BUCARAMANGA
José Alcides Cortés (Walter Gómez)
Director General Instituto Municipal de Cultura
Calle 30 No.26-117-Parque de los Niños
097-6342074

CALI
Sally Mizrachi
Lugar a Dudas
Calle 15 Norte – 8N-41
Barrio Granada
Cali, Valle del Cauca
092 668 23 35

CARTAGENA
GINA RUZ
Directora Instituto de Patrimonio y Cultura de Cartagena de Indias
Calle del Tablón No. 7-28. Edificio Gonzalez Porto
Cartagena, Colombia

CUCUTA + ESTADO DEL TÁCHIRA (VENEZUELA)
Gerardo Becerra
Secretaría de Cultura de Norte de Ssntander
Calle 13 # 3-67 Torre del Reloj
Cúcuta
tel: 097- 5717346

FLORENCIA
ANGEL ALBERTO OYOLA LIZ
Gerente del Instituto Departamental de Cultura y Turismo de Caquetá
Cra. 11 Calle 13 Esquina. Edificio Curiplaya piso 2
3175154800

IBAGUE
Margareth Bonilla
Museo de Arte del Tolima
Carrera 7 # 5 – 93 Esquina Barrio Belén
Ibagué
tel: 078- 2732840

MANIZALES
Elvira Escobar de Restrepo
Museo de Caldas
Edificio Leonidas Londoño Torre B Piso 4
Fondi cultural cafetero
Manizales, Caldas
320 727 36 34

MEDELLÍN
Hernando Blandón
Centro Colombo Americano
Carrera 45 (El Palo) No. 53-24
eléfono (574) 513 4444

MONTERIA
Silvia Haddad
Calle 29 No.5-64-Edificio Biblioteca Departamental David Martínez
094-7823236

NEIVA
Nubia Monje
Centro de Convenciones José Eustasio Rivera
Museo de Arte Contemporáneo del Huila
Carr 5 # 21-81, Neiva
tel: 0928753042

PAMPLONA
Alberto Camacho
Calle 4 N.5-40
Pamplona
568 26 26

PASTO
Ovidio Figueroa
Calle 15 N.23-31 Centro de Pasto
315 430 14 97

PEREIRA
Rosa Ángel
Museo de Arte Moderno de Pereira
Avenida de las Américas # 19- 88
Pereira
096-3212904

POPAYAN
Jim Fannkugen
Calle 7 N.9-37 Apto 201
Popayán , Cauca
311 318 10 41

PUTUMAYO
Domingo Cuatindioy
Valle del Sibundoy
Cra 13 No.17-88 Barrio Betania, Sibundoy
311 707 23 33

QUIBDÓ
GLORIA ASPRILLA
Secretaria de Cultura y Turismo.
Carrera 1 con 31 esquina. Edificio de la Gobernación.
Quibdó, Chocó
094-6722695
313 660 35 79

RIOHACHA
Miler Sierra
Centro cultural de la Guajira
Avenida la Marina, N.1-40
Riohacha, Colombia
316 690 86 41

SAN JOSÉ DEL GUAVIARE
Blanca Ligia Suarez / Blanca Nelly Rivera
Fondo mixto del Guaviare
Gobernación del Guaviare
San José del Guaviare
311 514 05 52

SANTA MARTA
Javier Mejía
Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo
Quinta San Pedro Alejandrino
Av. El Libertador, Santa Marta
310 6422059

SINCELEJO
Jorge Martínez
Carrera 17 (NARIÑO) N° 26-123 2° piso. Biblioteca Departamental
Sincelejo, Sucre
095-2826788-095-2810263

VALLEDUPAR
Ricardo Lobo
Biblioteca Rafel Carrillo Luque
Calle 15 # 12 A Esquina
Valledupar, Cesar

VILLAVICENCIO
Antonio Lozano
Instituto Cultural del Meta
Complejo Deportivo José Eustasio Rivera- Barrio El Porvenir
Tel: 098- 6715975 ext. 212

YOPAL
JORGE ELIECER GAMBA
Director Departamental de Cultura de Casanare
Calle 19 No.7-65
Edificio de la Cultura
Yopal, Casanare

DESCARGAR EL ACTA DEL JURADO

PRIMER SIMPOSIO REGIONAL DE PROFESIONALES E INFORMALES EN ARTES PLASTICAS Y VISUALES colectivo Helena Producciones (Proyecto Pedagógico)

En la categoría de curaduría pedagógica, este proyecto nos pareció el mejor planteado, posiblemente por la gran trayectoria del grupo, pero también por su amplio entendimiento de las implicaciones de un formato pedagógico que contempla un radio amplio de participación. El simposio propuesto aprovecha los recursos para abrir un espacio de circulación y una plataforma de visibilidad tanto a profesionales como informales de las artes plásticas. En ese sentido, quizá el radio de acción de este proyecto, pueda alcanzar también el trabajo de otro de los colectivos presentados a esta categoría en esta convocatoria. Este proyecto genera además una tensión interesante entre la producción local y la mirada del circuito de arte internacional.

Se destaca la iniciativa de poner en circulación y promover en la región los distintos mecanismos actuales del arte contemporáneo frente a la  movilidad y transito de las obras de arte. La idea del trabajo artístico desde lo local, regional e internacional basado en experiencias propias del colectivo se retribuye en la urgente necesidad de proponer un encuentro a manera de simposio con toda una estructura pedagógica que afectará a distintos públicos especializados e informales interesados en las artes plásticas a partir de un contexto dinámico y actual. Se recomienda – por la cercanía con la ciudad de Popayán y el interés que suscitaría el encuentro en la comunidad artística -, buscar la estrategia para que el simposio también se suceda en esta ciudad ya sea con el recurso de teleconferencias o traslado de los conferencistas. La propuesta del Simposio combina instancias de formación, producción y exhibición, generando una plataforma de intercambio rica y compleja para los distintos asistentes. Es de valorar cómo este proyecto amplía y fortalece el trabajo ya realizado por Helena Producciones con el Festival de Performance, incentivando la emergencia de nuevos colectivos y artistas a través de las actividades propuestas.

EN RESTAURACION: proyecto curatorial

El proyecto plantea rescatar la memoria y presencia activa del Teatro Sarmiento de municipio de Tuluá en el Valle del Cauca, realizando un levantamiento del edificio como patrimonio arquitectónico, histórico y cultural de la nación. La idea de lo vivido, lo transmitido y lo imaginado, es el punto de encuentro en donde la propuesta curatorial busca reunir a un colectivo que a través de una convocatoria de los artistas de la región, plantee una serie de intervenciones en las instalaciones del edificio y su entorno. La propuesta expositiva se enfrenta a una serie situaciones en donde la idea del site specific se plantea como estrategia de intervención plástica. Destacamos este proyecto porque propone una intervención concreta en un teatro a través de una convocatoria abierta a proyectos de distintos artistas, propiciando un diálogo entre los artistas y un espacio cargado de memoria cultural local. Es importante porque permite pensar el espacio curatorial como una zona de incidencia concreta en el espacio público, favoreciendo una revaloración y una reflexión sobre otras prácticas estéticas. Del mismo modo vemos favorablemente el riesgo que implica considerar un espacio no-galerístico como zona de pensamiento artístico.

En este proyecto valoramos el diálogo con la memoria tanto personal como colectiva, a través de intervenciones e instalaciones de sitio específico en el Teatro Sarmiento. Esta es una curaduría que si bien puede verse como histórica, no se aleja de sus intereses plásticos al abordar el problema de restauración y preservación del patrimonio tanto arquitectónico como cultural. Hubiera sido ideal que los proponentes plantearan ya algunas intervenciones concretas, es decir, que hubiera más trabajo curatorial previo y no lo dejaran a la suerte en la convocatoria. Por lo demás, este es uno de los pocos proyectos que claramente propone una serie de intervenciones plásticas y una exposición de arte en el sentido estricto de la palabra, así esté planeada su presentación en un espacio no convencional de exhibición.

RUTA DE TROPAS: Proyecto curatorial

Este proyecto es claro en sus objetivos y metodología; es una propuesta que actúa desde el campo de las artes y no en el sociológico exclusivamente, aunque sus intereses van encaminados a mostrar una manifestación cultural en amenaza: Los peinados afrodescendientes. Es interesante como la propuesta a través de la estética del peinado, traza una cartografía de la historia de desarraigo y diáspora de los afrodescendientes en Cali, una narración que ha sobrevivido gracias al eterno trenzar y peinar en el presente. Se destaca la idea fresca y lúdica de poner como propuesta visual artística el oficio cotidiano y vital de las peinadoras afrodescendientes, como una propuesta estética insertada dentro de las estrategias del arte contemporáneo.  Las peinadoras como herederas de una técnica ancestral recrean a partir de los gestos y diseños del peinado un orden de belleza que se vuelve contemporáneo al asumir y permearse con los fenómenos de circulación masiva de los medios de comunicación. Destacamos este proyecto porque permite una entrada reflexiva del peinado como práctica estética, cuestionando los modos convencionales de clasificación artística hegemónicos. El proyecto propone una inmersión en los múltiples sentidos inscritos en los peinados afrodescendientes. Es importante destacar también su voluntad de incidencia local, ampliando el concepto de lo propiamente curatorial.

PARA VERTE MEJOR – YO SOY EL OTRO: proyecto curatorial

Este proyecto aborda con intensidad y sin categorías la construcción del yo a través del video. El video como ese ejercicio de construcción en el que el yo queda implicado al hablar del otro.  Aparte de las reflexiones conceptuales que determinaron el marco curatorial, el proyecto debe precisar una estrategia de selección que implique más a los proponentes en el proceso de construcción del yo y del otro. Eso es lo que la práctica curatorial hace para no dejarlo a cargo del azar de una convocatoria. Por otra parte el formato propuesto hace que la presentación de los trabajos y su posterior y necesaria itinerancia sea muy efectiva. Haríamos la recomendación que el espacio físico de exposición podría ser un teatro o también, pensar la selección para ser presentada a través de una proyección en rotativo o algo similar, en muchas ciudades, por un lapso de dos o tres días. Esta propuesta, así como el Simposio Regional de Helena Producciones, también puede alcanzar bajo su radio de acción otras propuestas presentadas a la convocatoria, que proponen la construcción de la historia y la memoria local a través de la recuperación de fotografías antiguas y narraciones orales. El proyecto se hace pertinente en la urgente necesidad de poner en circulación la producción del video arte en la región. El video y sus múltiples posibilidades de formalización a manera de proyección, instalación, registro y difusión se entreteje con otras disciplinas y puestas en escena como el documental, el cine, el video clip, la televisión teniendo la capacidad de convocar a un público cada vez más heterogéneo: Comunicadores, publicistas, realizadores, diseñadores y artistas en general. De esta manera, es deseable que este proyecto se convierta en una plataforma para el flujo, movimiento y puesta en escena del video en la región.

Destacamos del proyecto su voluntad de explorar los múltiples registros de la creación en video, desde una perspectiva no necesariamente artística. La propuesta involucra un taller y una serie de instancia de difusión y discusión, incentivando la creación de imágenes en movimiento y revalorando producciones ya realizadas fuera del espacio artístico visible. La iniciativa es importante en tanto permite consolidar un proyecto de investigación, producción y curaduría ya previamente emprendido localmente.

TALLER DE ARTE CONTEXTUAL
Candelario y Adonys Moreno, artistas cubanos

Presentación del contexto artístico cubano; LASA, su génesis y los ENSAYOS PÚBLICOS # 1, 2 y 3

Ejercicios de mediación integrada en el contexto de LASA.

Fechas: 11, 12 y 14 de Septiembre de 2009.
Lugar: Universidad Javeriana, Cali.

LASA es un proyecto de arte contextual. Su especificidad no es solamente dialogar con una comunidad sino integrar el conjunto del contexto san agustinense en sus acciones, por ejemplo, la economía, el sistema de educación, el medio ambiente. LASA involucra a los habitantes como parte del contexto y lo asimila en tanto público local participativo. LASA fue creado como trabajo artístico y es desarrollado como tal.

El laboratorio es una obra artística del creador Candelario, desarrollado con Aurélie Sampeur, que funciona como una estructura cultural. LASA es una obra abierta con creador pero sin propietario. Funciona como una herramienta independiente para artistas de todas las disciplinas, de todas provincias cubanas y de otros países. Se creó como repuesta a la necesidad de las prácticas artísticas contemporáneas en el espacio público. Ofrece un marco para experimentaciones artísticas y confrontaciones culturales en un barrio periférico de La Habana. LASA permite a artistas probar sus ideas dentro del contexto de San Agustín con apoyo y acompañamiento en el desarrollo de sus creaciones. Participa así en la evolución de la práctica artística en el dominio público y el artista enriquece la investigación sobre la identidad de este reparto con el fin de estimular su vida cultural

Arte Cubano

El trabajo de Candelario se inscribe en la tradición del arte Cubano alrededor de un diálogo y una convivencia con la sociedad. Se desarrollan obras utilizando no solamente objetos de la vida diaria como lo hizo, por ejemplo, Rauschenberg en los años sesenta sino logrando una parábola de estos mismos objetos. Así, los más famosos artistas contemporáneos cubanos utilizaron y siguen utilizando elementos de importancia contextual como los remos en la obra de Kcho, las cucarachas en la de Fabelo, o la carne como material recurrente en performances de Tania Brugueras. El bote, por su parte, aparece como el más asiduo de todos.
La sombrilla queda en el trabajo de Candelario como objeto fetiche representado a través del óleo, acrílico y asfalto, pero también de las instalaciones y acciones públicas. En su acción “Captura de presencia” -que consiste en pintar en el asfalto de la calle la sombra de los transeúntes como para “capturar” sus estancias en un lugar definido-, aparece una mujer con una sombrilla cuya sombra Candelario pintó y que de pronto recordaba una serie importante en su trabajo anterior.

Arte Contemporáneo

La pintura es el primer y original medio de expresión de Candelario. Del realismo de los primeros años cuando retrataba, al gran formato, niños asustados en un ambiente fantástico, al neo-expresionismo de ahora, Candelario sigue explorando nuevos medios a través del asfalto . Utilizó este material primero en la cartulina y el lienzo, luego investigó el asfalto de la calle misma, desarrollando acciones en cual la pintura vive sobre el pavimento mismo.
Los artistas cubanos, por necesidad, salen de su taller para buscar materiales alternativos y desarrollan obras de arte no sólo apuntando a problemas sociales sino transfigurándolos y transmitiendo una energía propia universal que hace al arte cubano famoso en el mundo entero.
Candelario, saliendo de su taller, empezó a investir su comunidad, las calles de su barrio y a transformar su entorno en el “laboratorio artistico de San Agustín”: LASA. Navega de la pintura a la fotografía, al arte acción, tocando el video, en fin, explorando todas la facetas del mundo de las artes plásticas contemporáneas.

Arte Contextual

Desde 2004 empezó Candelario a utilizar el asfalto no como medio para pintar sino también como soporte de su acción pictórica. “Chivichanas” dejó la calle 252 manchada a la manera de Pollock y “Captura de presencia” deja, igualmente, sus sombras dibujadas sobre el asfalto, pero además no termina hasta la inauguración de unas cajas de luz que contienen imágenes de la acción. Así, sus acciones se mantienen en el tiempo y en el sitio gracias a vitrinas iluminadas: nuevo mobiliario urbano, iluminación alternativa pública, memoria y galería horizontal al aire libre. Porque si el arte acción se define por su espontaneidad e improvisación del hecho artístico, importante es también para Candelario la búsqueda, la permanencia de señales posteriores al paso del creador por ese espacio.
A pesar de la fuerza del objeto mucho arte contemporáneo ha devenido arte antropológico, donde el ser humano es protagonista. Hoy presenciamos mutaciones en la sociedad que hacen del arte una instancia siempre en transición. Candelario aspira a dar la palabra a la ciudad y a la comunidad, creando su propio lenguaje. Por eso se propone fundar LASA, el “laboratorio artístico San Agustín”, el barrio donde vive desde hace 32 años. Al conocer casi perfectamente a los hábitos, los movimientos y reacciones de los habitantes y con el apoyo del gobierno de La Lisa, Candelario tiene todas las herramientas para explorar el arte acción y desarrollar una memoria para este tipo de obra efímera. Porque más que ser un artista que se compromete, Candelario estimula a los transeúntes a involucrarse profundamente con su arte. La participación es diversa y abierta, consciente y no, de naturaleza pasiva como en su proyecto “Captura de presencia”, o activa como en las acciones de “Chivichanas”. Candelario implica a los habitantes, los niños, los transeúntes como individuos pero también como entidades abstractas, partes de la comunidad y es a partir de esta abstracción que utiliza el lenguaje o los lenguajes de la ciudad como medios de expresión de su identidad.
“Siempre que adquirimos la posibilidad de compartir el lenguaje lo estamos exponiendo a la influencia impredecible de quienes lo comparten con nosotros. Todo lenguaje es susceptible de ser compartido, por lo tanto, permanece perpetuamente bajo un riego constante de cambio [...].” Rick Altman (crítico de cine)

Zaira Zarza y Aurélie Sampeur

Por. Oficina de Prensa, 13 SRA, Zona Oriente

El pasado 14 de agosto y el 5 de septiembre, en las instalaciones de Bellas Artes de la Universidad Industrial de Santander, de 2:00 a 6:00 de la tarde, se llevaron a cabo la segunda fase del Taller Artefacto, que coordinará el maestro Germán Toloza.

El evento hace parte de las actividades académicas propuestas en el marco de las actividades programadas dentro de la investigación curatorial: De aquí y del otro lado, que adelanta del equipo de investiga Morrorico, que conforman los maestros Eduard Velasco y Germán Toloza.

Igualmente, el Equipo de Investigación Curatorial del 13 Salón Regional de Artistas, Zona Oriente, convocó al encuentro de presentación de portafolios el pasado sábado 15 de agosto, de 8:00 am a 12:00 m. en la Escuela de Bellas Artes de la UIS, Edificio Daniel Casas, si no puede participar, envíelos al correo: 13sra.oriente@gmail.com

Mayor Información: 6323235

http://curaduria13regionaloriente.blogspot.com/

Lugar de ejecución: Mitú (Vaupés)
Periodo: Julio y agosto de 2009
Responsable: Cesar Ernesto Agudelo Moreno

Como se planteó en el proyecto presentado a la curaduría Tres Lugares Comunes por el grupo constituido TAPIOCA (Taller de Práctica e investigación Orinocoamazonense para las Culturas y las Artes), se realizaron 2 acciones que son complementarias y son el producto del proceso. A continuación presentamos un informe detallado de lo que constituyo el proyecto.

UNA ACCIÓN: INVESTIGACIÓN SOCIAL A TRAVÉS DE HERRAMIENTAS ARTÍSTICAS JUMENIWU MÃRÃ TAMU

Tomando el mismo nombre del proyecto, esta investigación, se refiere a la circunstancia de los hijos no reconocidos de soldados y policías que son habitantes del territorio de Mitú. La traducción de la frase es los hijos de los verdes y se encuentra escrita en una de las lenguas más habladas en el Vaupés: el cubeo.
Planteamos como metodología de realización de la investigación micro-talleres artísticos con los diferentes grupos poblacionales. Estos micro-talleres se diseñaron a través de un trabajo interinstitucional, en el cual participaron varios profesionales del ICBF, la Procuraduría, el movimiento Estudiantil Alfa y Omega, Ejercito Nacional, Policía Nacional, Acción Social y la Casa de la Cultura Municipal, entre otros: la psicóloga Viviana Ríos, el antropólogo Orlando Rodríguez, la abogada Yudy Aguilera, la ingeniera Dayana Cubillos, el Sargento Jhon Carvajal, el Subintendente Diego Barrios, el ingeniero Iván Calvo, la Maestra Andrea Gutiérrez y el maestro Cesar Agudelo.

Los grupos poblacionales recomendados desde las mesas de trabajo para ser objeto de la investigación fueron:

• Policías
• Soldados
• Madres solteras
• Adolescentes
• Niños no reconocidos, hijos de soldados o policías.
• Padres y madres

Después de varias reuniones de las mesas de trabajo se llego a la conclusión de que los siguientes temas serian la base para realizar los micro-talleres y que se deberían aplicar de acuerdo a los grupos poblacionales:

• Elección de pareja
• Pareja ideal
• Idea de familia
• Autoestima
• choque e intercambio cultural
• Creencias culturales
• Enfermedades de transmisión sexual
• Deseo
• Amor
• Zonas erógenas
• Responsabilidad
• Paternidad responsable
• Imagen que se tiene del padre
• Soledad
• Miedo
• Imagen de si mismo en el futuro
• Inicio de la sexualidad
• Conceptos tradicionales sobre educación sexual, ritos de iniciación y figura de la mujer dentro de la sociedad indígena.

Las sesiones se desarrollaban de la siguiente manera:

1. Distención: Inicialmente y para “romper el hielo” se planteaba una actividad corporal.

2. Materiales: En el centro del espacio se disponía una mesa con diferentes materiales artísticos (bolígrafos, hojas de papel bond, cartulina, cartón paja, marcadores, tijeras, plastilina, papel de colores, pinceles, vinilos, colore, sacapuntas –se omitieron lápices y borradores con el fin de aprovechar el error en el trazo y negar la posibilidad de corregir como estrategia para obtener sinceridad en cada uno de los temas-)

3. Ejercicios: En adelante se les decía una palabra que condensara una de las temáticas anteriormente mencionadas, es decir, sexo, familia, amor, papá, novio o novia, etc. En la mayoría de los casos se les dejaba a elección libre de cada uno de los participantes el uso de los materiales, a no ser que el grupo o alguno de ellos entrara en la monotonía en el uso de alguno de los materiales, en ese caso, se les ordenaba usar puntualmente en el siguiente ejercicio un material.

4. Conclusiones: se proponía al final un espacio para reflexionar al respecto de la sesión y los ejercicios, y para hablarles de los temas tratados ofreciéndoles así una orientación profesional desde la psicología y el derecho. Solamente hasta esta altura de la sesión se les explicaba de que se trataba el proyecto, esto con el objetivo de que no se previnieran al momento de expresarse en los ejercicios. El lugar donde realizaron los talleres fue la Casa de la Cultura Municipal Luís Enrique Chávez Velásquez.

Resultados
Finamente se llevaron a cabo 4 talleres con el mismo número de grupos poblacionales de los cuales se obtuvieron alrededor de 200 ejercicios. La investigación dio pie para realizar dos entrevistas, por un lado grabamos el testimonio de una mujer de 25 años que es madre soltera de tres hijos, ninguno reconocido por sus padres, el mayor de ellos es hijo de un soldado que hasta ahora no ha podido ser localizado por el Instituto de Bienestar Familiar. La otra entrevista la realizamos con ayuda de Orlando, el antropólogo, a un
sabedor tradicional llamado Ismael Ramírez; en la primera parte de este documento audiovisual él se refiere a la problemática actual de las jovencitas y en una segunda parte narra como tradicionalmente se educa a la mujer y cuenta los rituales que a lo largo de la vida se le imponen. Este material audiovisual y los ejercicios obtenidos en los micro-talleres se socializaron en el evento III Salón de Artes Visuales y Artesanías del Vaupés, que es la otra acción de este proyecto.

OTRA ACCIÓN: III SALÓN DE ARTES VISUALES Y ARTESANÍAS DEL VAUPÉS

Se propone como una vitrina para el resultado de la Investigación Social Jumeniwu mãrã tamu, que como se explico anteriormente es un componente del proyecto del mismo nombre, pero también se convoco a artistas y artesanos de Mitú para que expusieran sus trabajos. El grupo de artistas y obras estuvo conformado por:

• Eder Feliciano Estrada con 3 dibujos en carboncillo:
o El indígena actual
o En diversas líneas
o La bebida del rey

• María Valencia con algunos trabajo manuales:
o Manualidades

• Faustino Fernández con artesanía tradicional:
o Cerbatanas

• Mauricio Cárdenas con una pintura al óleo:
o La Choza

• Otilia Restrepo con tejidos en fibra natural:
o Bolsos

• Gerardo Ortiz con un par de tallas en madera:
o Paisano
o Caballo

• Solman Piñeros con una pintura al óleo:
o La admiración

• Raúl Guzmán con dos pinturas al óleo y una técnica mixta:
o El nido de las aves
o El abuelo
o Las chismosas

• Agustín Vásquez con dos esculturas en la técnica del arte caliptra:
o Lobo mutante
o Flor escarlata

• Reinaldo Gonzales con dos pinturas al óleo:
o Agua fuente de vida
o Horizonte

• Rubiela Peña con dos pinturas al óleo:
o Belleza de mi selva
o Sin titulo

• Cristhián Ruiz con dos pinturas al óleo:
o Drago

• Cristhian Rodríguez con un grafiti sobre lienzo:
o Arte visual

• Héctor Valencia con 5 dibujos en sepia y sanguina:
o Gente del rio
o Manos que protegen
o El fuego de siempre
o Mi quiñapira
o Descendencia

• Artesanías Cubay con varios utensilios en cerámica.

• Lina Archila con una pintura al óleo:
o Hunab Ku-Mu

Durante un mes se realizó convocatoria abierta a través de un grupo organizador en el que nos encontrábamos Karina Guarín de Acción Social, Jorge Moreno, abogado y artista independiente, Andrea Gutiérrez y yo representando a TAPIOCA. También por afiches, el ciberespacio y por la 91.3 Radio Policía Nacional, única emisora que funciona en Mitú y que tiene cobertura hacia algunas
comunidades del Vaupés Medio.

Inicialmente se había planteado un cronograma más laxo, pero debido a la premura con la que se nos propuso hacer el evento, se replanteo el cronograma, quedando de la siguiente manera:

Una Acción: III Salón de Artes Visuales y Artesanías del Vaupés

Cronograma
Actividad Tiempo de ejecución
Pre-lanzamiento 23 al 26 de junio
Lanzamiento y convocatoria pública 22 al 31 de julio
Inscripciones 22 al 31 de julio
Recepción de trabajos 22 al 31 de julio
Montaje y capacitación de guías 10 y 13 de agosto
Inauguración Viernes 14 de agosto
Visitas guiadas 15 al 21 de agosto
Desmontaje 22 y 23 de agosto

Este nuevo cronograma se siguió al pie de la letra. Con la colaboración de la la Secretaría de Educación Municipal, el Instituto Municipal de Deporte y Recreación –IMDER-, el Instituto Departamental de Deporte, Cultura y Recreación del Vaupés –IDDER-, la bibliotecaria departamental, pudimos realizar el evento III salón de Artes Visuales y Artesanías del Vaupés. Dentro de la exposición se realizaron algunas visitas guiadas a diferentes grupos, entre ellos los niños que participaron en un micro-taller de la investigación Social Jᵾmeniwᵾ mãrã tamᵾ.

RELACIÓN CONCEPTUAL CON LA INVESTIGACIÓN CURATORIAL TRES LUGARES COMUNES

La Investigación Curatorial Tres Lugares Comunes parte de la idea de la colonización y se pregunta por el lugar que se ocupa en este proceso, cual es nuestro papel ¿Colonos? ¿Colonizados? ¿Colonizadores? ¿Somos colonia? Esta Investigación Curatorial trae a colación un tema ya conocido pero vigente: el choque intercultural entre Europa y América: ¿Conquista? ¿Saqueo? Es una reflexión que pone en evidencia el carácter “imperialista” –término satanizado y de difícil uso, pero que resume el verdadero trasfondo del asunto de la colonización-: un estado se instala en tierras de otro que tiene menos poder que él, ejerciendo un control político y social, monopolizando toda la producción industrial y provocando una relación de dependencia económica absoluta del menos “desarrollado” –término igualmente problemático pero preciso hacia el más poderoso. Dicen los curadores en un aparte de la presentación de su investigación: […] “tenemos cara de colonos en las selvas y colonizados en las ciudades”[…] y no pueden ser más precisos al referirse a la situación de los territorios poco “industrializados”, “no modernizados”, “atrasados” de los cuales el Vaupés hace parte. Los “colonos”, que desde hace muchos años hacen parte de este territorio, han venido poblando el Vaupés por hordas que obedecen a ciertas bonanzas económicas, recordemos la cauchera y la cocalera y en estos tiempos lo que les da excelentes dividendos es la “politiquería”. Podemos observar con detenimiento la posición que asume un habitante colono o “cabuco” –hijo de colono nacido en la región, en otras palabras “criollo”- en Mitú y como se desenvuelve en la ciudad, aquí “rey” y allá un “don nadie”.
El proyecto Jumeniwu mãrã tamu quiso involucrar por un lado a los habitantes endógenos, es decir los indígenas, a los criollos o mestizos y los “colonos” dentro de una exposición de convocatoria abierta llamada III Salón de Artes Visuales y Artesanías del Vaupés, pero no queriendo solamente abrir un espacio expositivo, que la mayoría de las veces puede quedarse un poco estancado, se plantea otra acción del mismo proyecto de carácter investigativo, nombrada de igual manera que el proyecto general. Esta investigación esperaba abarcar una dinámica precisa y que esta directamente conectada con uno de los temas de la curaduría tres lugares comunes: estamos hablando de “SANGRE”, “la primer dinámica” que propone esta investigación curatorial. Como lo mencionan los curadores esta “denominación identifica a los departamentos de Guainía y Vaupés” […] “Estos departamentos se caracterizan por contar con un mayor porcentaje de habitantes nativos (indígenas) que llevan varias generaciones en el lugar. De
acuerdo al DANE, se encuentra un alto porcentaje de habitantes nacidos en el departamento (Guainía 74,12%, Vaupés 83,29%) de los cuales la población indígena cubre el 64%.” La Investigación Social a través de Herramientas Artísticas Jumeniwu mãrã tamu, como la hemos denominado dentro de nuestro proyecto, toca un tema candente pero poco visible para la sociedad local: los hijos de policías y soldados no reconocidos. En otras palabras, es una “bomba de tiempo” el nacimiento de tantos hijos del “mestizaje” provocado por la “colonización” de los “verdes”, los soldados y policías foráneos en la mayoría de los casos. Estos son los puntos de encuentro con la Investigación Curatorial Tres lugares comunes.

Cesar Ernesto Agudelo Moreno
C. C. # 86044834 de V/cio.

* Para quienes no han leido la primera parte, pueden hacerlo aquí.

Cuerpo, arte y significación, Segunda Parte
Por. José Horacio Rosales

Esto son elementos fundamentales que nos va a explicar como el cuerpo puede articular el mundo exterior con lo que le sucede internamente, esto nos va ser entender porque la relación del cuerpo con el entorno es fundamentalmente una relación, en principio, sensorial y afectiva; es decir, la primera relación que tiene el cuerpo con el mundo es sensorial, en consecuencia afectiva: es una relación del mundo sensorial afectivo interno puesto en contacto con la exterioridad.

Entonces, esta intercepción esta mirada al cuerpo dentro de si, esta exterocepción, la captación del mundo externo, se articulan, no están separadas y, se produce lo que para los semiólogos en su lenguaje enrevesado se va llamar la propiocepción.

La propiocepción es la condición que tiene el cuerpo de tener conciencia de sí mismo, tanto de fenómenos internos y externos, como esa articulación dinámica.

En los proceso propiosectivo el cuerpo articuladosgrandes esferas de su actividad, los contenidos de lo que vive y padece internamente: tengo hambre, tengo sueño, tengo calor, me siento despechado, esas sensaciones que sentimos cuando estamos avergonzados y que es un peso en el cuerpo.

En este sentido,hay una metáfora visual muy bella en la película Amelie, de Jean-Pierre Jeunet. Ella es una mujer joven y en algún momento espera la visita de alguien en el restaurante donde trabaja. Finalmente, el hombre llega pero no logran establecer esa relación de contacto de reconocimiento mutuo y, cuando él se va, queda muy frustrada y cinematográficamente, esa decepción esta metaforizada con la imagen del cuerpo de Amelie que se vuelve agua y se dispersa en el piso. Ahí vemos como aparece una representación de la experiencia interna con elementos externos que la van a representar o la van a semiotizar

Por una parte, en este proceso propiosectivo están los contenidos de la vivencia, de lo que se padece, cuando hablo de lo que se padece, no sólo estoy hablando de lo que se padece sino del gozo y las formas con que el cuerpo expresa esas sensaciones o lee eso en el cuerpo del otro. Es decir, cuando el yo cuerpo leo eso en el cuerpo del otro, puedo reconocer en ese cuerpo ajeno los padecimientos y sufrimientos de ese cuerpo y los puedo reconocer porque el cuerpo del otro es semejante al mío y eso ya es un elemento comunitario de las lecturas reciprocas en la corporidad.

Aquí tenemos una imagen de la obra de Maria Lassnig, El otro yo, en la uno puede articular o concluir el proceso de escenificación de la obra a partir de un cuerpo que se mira así mismo y también mira al mundo exterior y que recupera, en el caso del cuerpo femenino, el emblema de la feminidad de la reproducción, también, el problema de la capacidad de matar y por eso se llama El otro yo.

La propioseccion está guiada por grados de valoración, por ejemplo: algo me gusta más, algo me gusta mucho mas; hay momentos de placer que son muy tensos y otros muchos más intensos y otros que quedan definitivamente guardados en la memoria; hay momentos de displacer o de disgustos, pero eso pertenece a una gama de grados de gradientes, dirían los semiólogos; es decir, hay intensidades, matices que nos dicen si algo me gusta o no me gusta y, todo eso no son sino valores construidos por la experiencia corporal.

Cuando algo me gusta, algo le agrada a mi cuerpo se habla de una valoración eufórica positiva o de acogida, de algo que es bueno, y cuando algo me disgusta me causa asco, repulsión, en consecuencia, estoy hablando de horadación negativa de rechazo. Hay unas razones eufóricas y disfóricas que no se pueden evitar y que son parte de la conexión biológica del cuerpo, es decir, ninguno de nosotros come excremento y todos comemos comidas preparadas o comemos ciertos elementos que nos convienen a la supervivencia y tenemos asco por aquello que nos resulta inoportuno para la supervivencia.

Las sensaciones corporales que soportamos son aquellas que soportamos hasta cierto límite, en nuestra piel que pueden estimularnos hasta cierto límite las que son insoportables las rechazamos, las que son insoportables las rechazamos.

Entonces, hay unas condiciones corporales de supervivencia que imponen incluso ya unas condiciones valoraciones y eso hace, incluso, que hay una especie de lenguaje común para todo el ser humano, con respecto de elementos que son agradables o desagradables.

Pero, al interior de las culturas aparecen también una serie de matices que tiene que ver qué es lo que se puede valorar positivamente o negativamente. Uno de esos temas es tocado, en cierto sentido, por Humberto Eco, en su libro La historia de la frialdad, donde trata de mostrar que la estética y la construcción del arte no se limita solo a lo bello, sino que cuando se habla de estética, se esta hablando de un gran rango de valoraciones que incluye lo desagradable y lo agradable; lo feo y lo repugnante; lo bello y sublime, es decir, lo feo nunca podrá estar fuera alejado o excluido de la categoría de lo estético, es uno de los elementos que hace oposición a lo que se ha considerado bello y, por eso, hay muchas culturas, cosas que para nosotros es fea y para otros son bellas.

Entonces, la propioseccion es detalla por el grado de valoración: la eufórica positiva de acogida, la disfórica negativa, de rechazo de los intuidos percibidos. La valoración eufórica, agradable y bella, supone una apertura por la receptividad del cuerpo; mientras, que la disfórica supone un cierre corporal, un rechazo.

Hay otro elemento que tiene que ver con lo estético y la relación corporal y, es un aporte que hace un fallecido paleontólogo francés llamado André Leroi-Gourhan, en un bello libro llamado El gesto y la palabra, que antes estaba en esta biblioteca y, por alguna razón desapareció; este texto de una belleza muy particular, por algunos aportes que hace a pesar de algunas desactualizaciones en conocimientos científicos en paleontología, arqueología y biología que en la actualidad tiene.

Para el autor frances,las valoraciones estéticas y, esto es interesante, son el origen de toda la producción simbólica y de los instrumentos que hace el hombre; es decir, segúnLeroi-Gourhan, el origen de la cultura no son los procesos cognitivos, no es el desarrollo una condición simbólica, es la estética, la valoración estética es el soporte de la misma valoración simbólica.

En este orden de ideas, pienso que esta es una idea que resulta fascinante para los artistas, sobre todo cuando nosotros nos convencemos, ya a partir de la propia experiencia de creadores o analistas del arte, que el arte no es simplemente sensibilidad sino que es una forma de construcción de conocimiento; en este sentido, se puede entender que la valoración estética si es el soporte inicial de la construcción de estructuras cognitivas complejas.

Cuando hablamos del hecho de que el cuerpo que se relaciona con el mundo, es una relación primero sensorial y afectiva, en consecuencia estética, y que es sobre eso que se empiezan a construir ya discriminaciones perceptivas y modelos cognitivos, ya estamos diciendo que la estética es el soporte de las de elaboraciones culturales y, esta idea no es nueva, pero siempre ha sido marginada.

En este sentido se valora como estético aquello que es conveniente a la dinámica fisiológica del cuerpo, estos son los ejemplos que acabo de mencionar aquello que es agradable es estético, lo que me desagrada y no me gusta lo considero feo. Por otrolado, a la adaptación técnica de la herramienta del cuerpo, uno opta por la herramienta que más se ajusta al cuerpo y si a uno tiene la crea; la herramienta no es solamente para conseguir un fin particular sino también produzca cierta sensación en la consecución del ti en el manejo de la misma herramienta, dice el André Leroi-Gourhan y a las producciones simbólicas valoradas estéticamente, en una perspectiva cultural consensuada mayormente, por lo que decía hace poco, las valoraciones estéticas que también están atravesadas por un consenso y una memoria cultural colectiva.

El cuerpo de esta manera supone tres condiciones esenciales de su existencia habitual: el cuerpo es sensible y afectivo, es fundamentalmente una masa de sensibilidad y afectividad; el cuerpo es un elemento una mediación que me permite interactuar con los otros que tienen una existencia corporal también y, el cuerpo cognitivo, es el cuerpo donde suceden los procesos de construcción del pensamiento, los procesos de estructuración del conocimiento o del saber, es decir, ese el cuerpo donde se dan los procesos psíquicos, neuronales, cognitivos etc., para que nosotros digamos soy inteligente, por ejemplo, y creó una herramienta o un símbolo.

La existencia del cuerpo mismo supone entonces una competencia una condición autopoietica para sentir, percibir, producir cosas, crear objetos, conocimientos para interactuar con el mundo y con los otros para sobrevivir; es decir, esto de lo que se ha dicho hasta el momento, el cuerpo como una panoplia viva y sensible es capaz de autogenerarse a sí mismo y es capaz de sentir, de percibir de producir cosas, crear objetos y conocimientos, de interactuar con el mundo y con nosotros y, puede sobrevivir sólo en esa interacción con otros y, con el entorno en que está.

Ahora hablemos un poco del mundo en que esta el cuerpo y, vamos hablar específicamente del mundo biológico-natural sino del mundo cultural.

Voy a retomar este concepto de la filosofía fenomenológica, excúsenme por meter una etiqueta intelectual, pero la frase siempre me pareció muy bella “un mundo de la vida es el mundo en que transcurre nuestro devenir vital”, el lugar de la vida cotidiana, el lugar de nuestras urgencias etc. Lo que es lo común a nosotros, este momento compartir este mundo de la vida. En esta idea del mundo de la vida, nosotros tenemos claro que lo demás por ser un cuerpo semejante al mío y eso es lo que nos permite que nos podamos comunicar.

Sé que estas son cosas muy elementales y ustedes dirán por que toca estos temas tan elementales y tan anodinos en apariencia, porque esto va ser una representación del cuerpo en el arte y la captación de la atención del espectador, que luego tomare más adelante.

Las experiencias de los demás son semejantes a las mías, porque están aterrizadas o ancladas en la experiencia corporal y los lenguajes en que están inmersos los cuerpos, el tuyo y el mío, nuestros cuerpos, son más o menos compartidos, porque hacemos parte de una misma coordenada espacio-temporal y una misma cultura; en consecuencia, compartimos los mismos lenguajes, códigos de interacción y de supervivencia. Simplemente Ud. se desplaza de una ciudad a otra y tiene que hacer algunos esfuerzos de comprensión de los códigos de otro cultura, va a Pamplona o Cúcuta, ya tiene que hacer algunos ejercicios de comprensión de la visión y del modo de obra de la gente, incluso en hábitos alimentarios, que están estrechamente relacionados con la valoración estítica y el goce corporal.

Dentro de esta vía, la comunicación es posible desde esta “comunidad” del cuerpo, como poseemos cuerpos comunes y yo supongo que el cuerpo del otro siente como el mío, es que podemos comunicarnos, esto va hacer clave en los procesos de producción artística, porque se supone que lo que yo construyo en la obra de arte puede ser percibido por el otro, porque el otro posee unas condiciones sensibles semejantes a las mías.

Esto destruye un poco el mito del artistas exclusivamente sensible y es que el artista no es el único sensible, también es sensible el espectador y se destruye esa creencia de que el único que tiene esa sensibilidad en el mundo es el artistas y en el manejo sobre la sensibilidad particular y, hay que mencionar, que ese manejo de la sensibilidad particular no es puramente sensible sino que es un trabajo puramente cognitivo y muy técnico, Uds. Lo saben más por experiencia que yo.

La comunicación es posible en esta comunidad del cuerpo y, en consecuencia, no se transmisión de mensajes, es decir, el cuerpo no puede trasladarle a otro lo que siente y lo que percibe, lo que quiere decir, que nosotros no poseemos la facultad de transmitir mensajes, nosotros ponemos en común, expresamos cosas de nuestra vivencias de nuestras percepciones y el otro que nos escucha, partir de los códigos de la cultura que compartimos, etc., puede entender e interpretar lo que nosotros expresemos.

Si nosotros transmitiéramos mensajes simplemente haríamos un esfuerzo telepático y todo lo que trato de decir ya lo tendrían claro, sin aportar sus propias experiencias, sus propias interpretaciones y su propio mundo. Esto quiere decir que la comunicación no es un proceso de trasmisión de mensajes ni de emisor, mensaje y receptor, sino que es un problema de seres humanos que se encuentran y utilizan mediaciones para expresar lo que han experimentado o lo que quieren del mundo. Esto rompe un poco ese esquema odios que uno escucha cuando entrevistan a los artistas en la televisión y el periodista les pregunta de entrada: -Ud. que quiere trasmitir. El artistas no quiere trasmitir quiere que el otro comprenda algo a través de una mediación que es el objeto plástico y quiere dialogar con el otro o que el otro dialogue con el objeto artístico, el artista no quiere trasmitir, porque necesariamente nadie tiene esa facultad telepática.

Entonces vemos que la comunicación son procesos de interacción de cuerpos vivos intencionados afectiva, social y cognitivamente y que estas interacciones se hacen a través de objetos, de mediaciones, la palabra es un objeto, es un lenguaje: sonidos articulado que se vuelve mediación para expresar mis ideas, y al arrojarla al mundo Ud. la escucha y le dan un sentido que está basado en los acuerdos sociales, pero también en las experiencias personales de cada uno; por eso, nadie va lograr interpretar exactamente lo que yo quiero decir, pero si abra consensos y acuerdos por nuestra proximidad cultural, por nuestra comunidad de cuerpo.

En este sentido, las interacciones se hacen a través del cuerpo y los objetos creados desde él, los signos y los lenguajes, entonces el cuerpo aparece como un escenario de signos y en el arte, el cuerpo es un escenario de signos, específicamente en las artes escénicas; pero, también el cuerpo escenificado dentro de un cuadro, por ejemplo, pero el cuerpo escenificado es también es significado es puesto como un escenario de signos.

Los días 25, 26 y 27 de julio se realizó la visita al Semillero de Exploración Artística “CAZABE” dirigido por la Artista Ferlay Olmos Cordero, por parte de los Curadores de la Orinoquia, con el acompañamiento del realizador del video general, donde se concluyó el trabajo, se hizo un registro completo de las actividades realizadas y se interactuó con los participantes del trabajo.

En este proceso pudimos obtener una gran cantidad de información acerca de las comunidades indígenas, su realidad, sus expectativas, su mundo y demás elementos que sirven de herramientas para la Curaduría en su parte conceptual, de tal manera que hay una visión muy importante de un grupo de población que aunque minoritario en la región, dada la poca cantidad de población, mermada por diferentes circunstancias a través del tiempo, pero que tienen vital importancia en los temas propuestos debido a su condición de autóctonos y su relación especial con la naturaleza que los rodea y con el mundo “occidental” que para este caso es el que intenta descubrir en su cotidianidad las experiencias que nos permitan tener una visión general de todos los actores que conforman la región de la Orinoquia.

CORTÁ CON TIJERA DE PALO/CUERPO FRAGMENTADO
SE INICIA LABORATORIO DE MEDIACIÓN–CREACIÓN EN ATLÁNTICO
13 SALÓN REGIONAL DE ARTISTAS ZONA NORTE

El Laboratorio de Mediación-Creación “Cortá con tijera de palo/Cuerpos fragmentados”, el cual hace parte del 13 Salón Regional Zona norte, dará inicio el 19 y 20 de septiembre del presente año en el municipio de Santo Tomás, Atlántico, en la casa de cultura del municipio, donde participaran  20 cultores y artistas de las diferentes disciplinas de todo el departamento del Atlántico.

Este Laboratorio busca reflexionar sobre las relaciones de poder y vida que se dan alrededor de la práctica de mandas y penitencias en el municipio y sobre esa comunicación corporal que existe entre el flagelante (penitente) y el acompañante (fortaleza); sobre esa comunicación no verbal que se da cuando el cuerpo es cegado o acallado, o cuando es sometido al dolor, a la tortura o al anonimato, a demás de reflexionar sobre esa forma de violencia corporal que es el auto castigo utilizada como herramienta de expiación, o entrega.

Partiendo de esta premisa, el presente Laboratorio busca crear actos fabulados que apunten  a desmitificar y restaurar nuestro pasado violento a través de la creación plástica con el cuerpo y sobre todo a decir lo indecible; generando así actos poéticos que apunten a la construcción de espacios positivos que vayan en sentido de la construcción y de la vida y no de la muerte; ya que como lo expresa Alejandro Jodorowsky “si la finalidad de las otras obras, la finalidad del teatro es directamente cambiar a los hombres: si e teatro no es una ciencia de la vida, no puede ser un arte”.

Este Laboratorio será coordinado por el maestro Edwin Jimeno, artista y docente quien ha obtenido varios de los más importantes premios nacionales de arte que se otorgan en el país, como el Premio Salón Nacional de Artistas (2001) y el Primer Premio del Salón del Fuego (2002).  Igualmente tiene una reconocida trayectoria a nivel de docencia en diferentes universidades en la costa del Caribe colombiano y ha sido coordinador académico de los Laboratorios de investigación-creación en el Magdalena.

Las personas seleccionadas para participar en este Laboratorio de Mediación-Creación son los siguientes:

DOLLY VARGAS LOPEZ    Barranquilla
RICARDO MAURICIO BARRAGAN    Barranquilla
PEDRO FONTALVO MURIEL    Santo Tomás
MAURICIO CASTELLANOS    Santo Tomás
EDUARDO BOCANEGRAS    Santo Tomás
PEDRO CONRADO    Santo Tomás
JULIO LARA OROZCO    Santo Tomás
MANUEL PEREZ MENDOZA    Santo Tomás
LUIS LARA    Santo Tomás
VICTOR AGUILERA ECHEVERRIA    Santo Tomás
JENA CARLOS SILVA    Santo Tomás
JULIA BOCANEGRA    Santo Tomás
DAYANIS DE LA CRUZ    Santo Tomás
NAIRETH LOPEZ    Santo Tomás
ALFREDO MURIEL    Santo Tomás
NOLASCO CONRADO    Santo Tomás
JHONY MECA    Barranquilla
RICARDO FIDEL MONTENEGRO    Barranquilla
RAFAEL BROCHERO DITTA    Sabanalarga
NAYITH GARCIA    Sabanalarga

Aurelie Sampeur, curadora francesa

CONFERENCIA:
EXPERIMENTACIONES INTERNACIONALES EN EL ESPACIO PÚBLICO
Definición de una reciente nacida profesión en las prácticas artísticas contemporáneas. Presentación de la estrategia de red como base del desarrollo de proyectos artísticos y culturales, Ilustración con tres experiencias internacionales: MEHR LICHT! (www.mehr-licht.org), TRANS305 (www.trans305.org) y LASA (www.lasa.mehr-licht.org)

Fechas: Agosto 25
Hora: 10 a 1 p.m.
Lugar: Universidad Javeriana, Cali
Edificio Guayacanes, Sala de Escultura

Importante: El taller de Arte Contextual que estaba programado para los días 24 y 25 de Agosto ha sido aplazado para los días siguientes. Oportunamente se informará sobre la nueva programación de este taller.